Création, industrie et communication : la figure du créateur à l’épreuve du storytelling de la création dans la mode

Accessible également à l’adresse : https://f.hypotheses.org/wp-content/blogs.dir/3729/files/2017/03/2015_ACTES-colloque-MSH-Nantes_V1.pdf

IntroductioN

Au début des années 80, les créateurs émergent dans la mode, de nouveaux acteurs bousculent une haute couture figée, réservée à une élite, une industrie textile répondant à la démocratisation de la consommation et une première génération d’entreprises de prêt-à-porter nées du vent de liberté des années 70 mais déjà largement institutionnalisées comme Sonia Rykiel ou Yves Saint Laurent, éponymes de leurs directeurs artistiques.

 

La dénomination « créateurs » pose elle d’emblée la question de l’injonction à la créativité qui exige de ces directeurs artistiques une véritable démarche artistique personnelle tout en intégrant le paradigme des contraintes industrielles de production.

 

La figure de créateur exploitée dans le storytelling de la mode et essentielle pour l’image de l’entreprise entre donc en collision avec une réalité plus prosaïque. Des trajectoires se fracasseront sur ce paradoxe, d’autres bifurqueront vers des horizons très différents.

 

En ce début de 21ème siècle, financiarisation, délocalisation et stratégies marketing globales n’ont pas évincé les directeurs artistiques qui sont devenus un élément central de la communication de la marque elle-même évoluant entre industrie culturelle et textile mais leur rôle a considérablement évolué pour aboutir à la mise en oeuvre d’une triple injonction, artistique, communicationnelle et industrielle contribuant à focaliser le public sur la personnalité d’un créateur alors même que l’ensemble des processus, du concept de la marque à la mise en vente du produit, exige un travail collectif de création.

 

 

Des injonctions contradictoires

 

Dans le cadre de nos travaux sur l’artification, c’est-à dire « le processus du non-art en art… qui est d’ailleurs une théorie de l’action qui met l’action sur ce que les gens font, sur les opérations (qu’ils) mènent et les changements qui en résultent »[1] que nous utilisons pour décrire les phénomènes communicationnels à l’oeuvre dans le secteur du luxe incluant celui de mode, nous avons été amenés à réunir et à analyser un corpus documentaire reposant d’une part sur des articles de presse (Le Monde, L’express, Le Nouvel Obs, Les Échos, Vogue, AD sur la période 2000-2014) et d’autre part sur une observation participante périphérique dans un certain nombre d’événements in situ (entre 2013 et 2014) : inauguration d’une fondation d’entreprise, défilés de mode, et mise en scène de la création dans des lieux d’exposition institutionnels ;associant créateurs et démarche entrepreneuriale. L’analyse de ce corpus documentaire nous a permis de dégager quelques traits caractéristiques de l’évolution de la figure du créateur, à travers la réponse à la triple injonction de l’industrie de la mode qui pourrait être celle du capitalisme artiste où même si « l’art est par essence rebelle à toute domestication par le marché…sa production l’inscrit de fait dans le jeu social et économique de nos sociétés »[2], il faut cependant ajouter que l’analyse de ce corpus documentaire et l’exploitation de la bibliographie se sont appuyés sur notre expérience professionnelle antérieure.

 

Nous présentons ici un extrait des résultats de nos travaux.

 

Les conséquences des pesanteurs des contraintes organisationnelles et productives sur la créativité des acteurs émergent de notre corpus documentaire et de leurs stratégies d’évitement à travers les nombreux articles et témoignages publiés. Nous avons étudié cette évolution sur une période suffisamment longue, de 1980 à 2014 pour constater les mutations de statut de la création dans l’univers de la mode à travers l’émergence des créateurs jusqu’à l’avènement des derniers directeurs artistiques nommés issus d’un moule productif et communicationnel.

 

De la première période des années 80en phase avec les mutations de la société et l’accession des femmes à des postes d’envergure donc des nouveaux besoins de parure sans ostentation différents des périodes précédente, a émergé une génération de créateurs, cumulant le plus souvent les fonctions de patrons de PME et de directeur de la création. Claude Montana, Azzedine Alaïa, Thierry Mugler, Jean-Paul Gaultier ont suscité un large engouement au fil de transgressions qui ont mis au premier plan une créativité débridée à l’instar des premiers costumes de scène de Madonna (dessinés par Jean-Paul Gaultier) des nouveaux visages de mannequins issus de la diversité culturelle. Provocations, ruptures avec les codes usuels du vêtement (le soutien-gorge féminin comme vêtement de dessus, la jupe pour homme) ont assuré une notoriété exceptionnelle à ces créateurs.

 

Dans ces entreprises, le télescopage entre la créativité et les exigences de production de l’industrie de la mode a porté dans un premier temps une révolution dans les processus organisationnels. Les structures traditionnelles de création ont explosé : exit la hiérarchie de l’atelier aux modèles ou les plans de collection millimétrés. Le créateur décidait, l’entreprise s’adaptait, les investisseurs se pressant sans considération pour la rentabilité aléatoire des débuts. Assez rapidement cependant, ces créateurs ont été confrontés à la nécessité de revenir aux fondamentaux de l’industrie et d’adopter des processus organisationnels contraignant leur créativité, même si certains industriels notamment les italiens ont su pratiquer des méthodes agiles adaptant en permanence leurs processus aux besoins, en effet, la diffusion de produits défectueux ou hors délais, mettaient en péril la pérennité de ces nouvelles maisons de mode.

 

Le retard d’adaptation de la créativité aux injonctions de l’organisation des processus de production a fait plonger des entreprises dans les difficultés financières alors que, paradoxalement et presque simultanément, les créateurs éponymes étaient au firmament de leur réputation.

 

La difficulté à conjuguer activités créatives et contraintes de production a eu raison de diverses manières de toute la première génération de stylistes ayant adopté la dénomination « créateur », soulignant ainsi la difficulté à faire fonctionner de manière industrielle une entreprise basée sur l’imagination de son fondateur. Après une phase de lancement, la nécessité de rationnaliser les processus de production s’est imposée à la création. La prééminence au sein de l’actionnariat du créateur ou d’autres partenaires, a induit des stratégies différenciées. Si le créateur n’avait pas ou perdait le pouvoir au sein de l’entreprise, la logique industrielle dominait tandis que la créativité passait au second plan, cette solution rationnelle en provoquant la perte de la substance créative appauvrissait le produit et finissait par entraîner soit la disparition totale de l’entreprise, soit sa mise à l’écart du segment créatif.

 

Une solution a permis quelquefois de résister à la contradiction inhérente à l’industrie de la mode qui assujettit une création à un processus de fabrication rationalisée préexistant est l’existence d’un duo, d’un couple ou d’une paire à la tête de l’entreprise permettant au créateur de se libérer des contraintes à condition que l’autre associé prenne en charge la production en se faisant à la fois l’avocat de la création au sein de l’organisation et le traducteur des contraintes industrielles au sein du studio de création. Ce poste qui pourrait correspondre à celui bien identifié de chef de produit, exige en réalité un plus haut niveau de responsabilité que cette fonction intermédiaire, afin de pouvoir se positionner comme le quasi-égal du créateur et d’avoir ainsi le pouvoir d’imposer les décisions stylistiques dans la filière de production tout en intercédant au niveau du créateur pour obtenir quelques ajustements aux contraintes.

 

Claude Montana formait ce type de duo avec son épouse et a perdu assez rapidement après son décès, dans les années 90, la propriété de son entreprise, dont il a été encore l’emblème pendant quelques saisons alors qu’il n’était même plus le créateur des collections. L’entreprise Claude Montana en se détachant complétement de son créateur a asséché également la valeur créative de ses produits et a fini par disparaître tandis que le créateur s’est totalement retiré de toute activité créative.

 

Thierry Mugler après avoir multiplié seul les collections sur des segments différents du prêt-à-porter où son style s’est perdu dans les nécessités productives, a finalement arrêté son activité de styliste de mode. Il a perdu lui aussi l’usage de son nom comme marque mais perçoit des royalties qui lui ont permis de se reconvertir dans le métier de photographe et de directeur artistique dans l’univers du spectacle aux USA, il exprime toujours sa créativité sans contrainte productive.

 

Azzedine Alaïa, n’a pas réussi à faire coïncider sa créativité avec les exigences d’une entreprise industrielle, mais il s’est affranchi de ces contraintes en se métamorphosant en artiste-entrepreneur[3] concrétisant son inspiration en dehors du cycle de production de la mode dans la confidentialité d’un artisanat de luxe soutenu par quelques passionnées.

 

De cette génération seul Jean-Paul Gaultier semblait avoir réussi à exercer en parallèle la création et l’industrie en développant de surcroît une activité de haute couture. Le succès de sa licence de parfums lui a donné les moyens d’exercer librement sa créativité, mais la montée en puissance dans l’actionnariat de sa propre société de son licencié pour les parfums, le groupe Puig, l’a peu à peu privé de son pouvoir décisionnel. En 2014, il a dû accepter l’arrêt de sa ligne de prêt-à-porter en négociant avec son actionnaire principal, seule l’activité haute-couture est conservée, déficitaire comme activité de production mais légitimant et soutenant la marque de parfums. La créativité s’est ainsi réduite à la production de pièces uniques dans le cadre d’une activité de communication marketing et à travers une exploitation événementielle (notamment à la télévision et sur les réseaux sociaux)[4].

 

Dans le cas de la mode, on constate que la figure du créateur essentielle à la naissance ou à la renaissance d’une maison de mode, bute rapidement sur l’injonction paradoxale de concevoir des collections toujours plus créatives tout en permettant le développement d’une entreprise industrielle peu propice à l’expression de la créativité.

 

Mutations du statut du créateur de mode

 

Un seul créateur issu des années 80, a réussi pendant une période assez longue, onze ans, à concilier création et industrie en adossant sa marque au premier groupe mondial du luxe puis en prenant la direction artistique du fleuron de la holding de tête de ce groupe, il s’agit de John Galliano qui outre la marque homonyme prend à partir de 1997, la direction du style de Dior, maison de couture incluse dans la holding permettant à Bernard Arnault de contrôler le groupe LVMH. Cette digression juridico-économique est nécessaire pour comprendre comment un créateur a pu exprimer son talent et son imagination sans être asservi à des contraintes productives. Les enjeux financiers étaient tels, se chiffrant en milliards d’euros notamment au niveau du marché du parfum où la marque Dior est un des leaders mondiaux, que la direction du groupe a autorisé la prééminence systématique de la créativité débridée de John Galliano sur toute considération organisationnelle. Si certains chroniqueurs ont cru voir dans cette liberté du couturier au parfum de scandale, une fantaisie que s’offrait un PDG, des observateurs plus avisés ont immédiatement compris que cette liberté créative faisait partie d’une stratégie communicationnelle, et qu’à l’heure où les égéries occupaient tout l’espace publicitaire au risque de saturation, un directeur artistique aussi spectaculaire voire scandaleux que John Gallianodonnait une visibilité accrue à la marque Dior, une véritable cure de jouvence tandis que les pertes probables des défilés de haute couture et des collections de prêt-à-porter de luxe étaient comptabilisés dans les dépenses publicitaires des lignes commerciales d’accessoires ou de parfums conçues par d’autres équipes. John Galliano a été vraiment le premier produit de l’aboutissement dans la mode de la triple injonction artistique, communicationnelle et industrielle même s’il était partiellement déchargé des contraintes productives en étant « seulement » assujetti à un planning fixé sur dix-huit mois minimum.

 

Cette triple injonction a cependant produit les conditions du burn-out de John Galliano qui créait plus d’une dizaine de lignes, en étant en représentation permanente (un styliste été uniquement chargé de la mise en scène de ses excentricités) tant dans sa vie privée que lors des ouvertures de boutique et de tous les événements médiatisés de la marque qui s’appuyait sur la célébrité de son créateur vedette pour gagner des marchés. Son départ précipité à la suite d’un scandale a fait prendre conscience à toute la profession de la mode des outrances « d’un système où la nouveauté brandie comme étendard et le directeur artistique comme égérie de marque construisait un réseau de tensions insupportables »[5].

 

Paradoxalement l’organisation de la création, soumise à des contraintes planétaires et multiples qui laissent comme seul espace de liberté au créateur pour déployer son inspiration, les interstices entre le ROI[6], les cases du plan de collection adapté des résultats commerciaux, le visual merchandising[7] et le planning des événements artistico-mondains de la marque sur chaque continent où la présence du créateur est souvent plus impérative que dans le studio de création, s’est éloignée du monde de l’art pour devenir un pur processus communicationnel. Le storytelling de l’artiste créateur de mode se perpétue alors qu’il est désormais un être hybride entre égérie mondaine et ingénieur de projet coordonnant une équipe chargée du développement de l’impulsion créative qu’il émet, alors même qu’à coup d’ouvertures de fondations d’entreprises dédiées à l’art, la stratégie de communication des groupes industriels de la mode tend à confondre la créativité appliquée aux produits avec une pratique artistique pour recréer sur des produits banalisés par la mondialisation l’aura chère à Walter Benjamin.

 

L’injonction à la créativité et sa mise en oeuvre augmentée par les enjeux industriels et les stratégies communicationnelles apparaissent comme une système difficile à gérer par les directeurs artistiques accédant à la célébrité dans la mode. D’ailleurs Dior a procédé au remplacement de John Galliano en 2007 en mettant tout d’abord une équipe en avant, symbolisant le changement de paradigme de la gestion de la création, avant d’opter pour un styliste très discret, le belge Raf Simons. Même si dans l’écurie de créateurs du groupe LVMH, Marc Jacobs, directeur artistique de Louis Vuitton jusqu’en 2012, a démontré une capacité exceptionnelle à fusionner des processus artistiques, créatifs et organisationnels à travers des collaborations comme celles dès 2003, avec l’artiste Stephen Sprouse puis Richard Prince ou Takashi Murakami, tout en assurant une présence médiatique continue, les injonctions contradictoires continuent de menacer la qualité du processus créatif qui devient plutôt une stratégie événementielle qu’un passage à l’art. En 2015, un seul créateur, Karl Lagerfeld, directeur artistique de la maison Chanel, plutôt chef d’orchestre que soliste ou étoile filante, est parvenu à conserver son aura d’artiste paradoxalement en pliant sa créativité aux contraintes inhérentes à l’entreprise qu’elles soient patrimoniales (en conservant des codes stylistiques de la maison) ou économiques (aller défilé à Séoul plutôt qu’à Paris quand le marché coréen offre des opportunités) mais il est surtout devenu une icône, un élément de la marque, de son identité visuelle, au même titre que les « C » entrelacés, le camélia ou le tweed.

 

Ses confrères sont devenus pour la plupart des produits négociables dans un mercato planétaire, rejoignant ainsi la précarité décrite par Pierre-Michel Menger[8] à travers l’organisation par projets, et la créativité n’est plus qu’un élément du storytelling, la communication marketing ayant conquis une position hégémonique dans la mode.

 

 

Bibliographie

 

Assouly Olivier. Le luxe: essais sur la fabrique de l’ostentation. Paris: Institut français de la mode : Regard, 2004.

Benhamou, Françoise. L’économie de la culture. Paris: la Découverte, 2011.

Boltanski, Luc, Chiapello, Ève. Le nouvel esprit du capitalisme postface inédite. [Paris]: Gallimard, 2011.

Bouquillion, Philippe. Les industries de la culture et de la communication: les stratégies du capitalisme. Grenoble: Presses universitaires de Grenoble, 2008.

Caune, Jean. Esthétique de la communication. Paris: Presses universitaires de France, 1997.

Caves, Richard E. Creative Industries: Contracts between Art and Commerce. Cambridge, Mass.; London: Harvard University Press, 2002.

Chatriot A. « La construction récente des groupes de luxe : mythes, discours et pratiques ». Entreprises et histoire, no 46 (janvier 2007): 143‑56.

Dagen, Philippe. L’art impossible: de l’inutilité de la création dans le monde contemporain. Paris: Bernard Grasset, 2002.

Danto, Arthur Coleman, Jean-Marie Schaeffer, et Claude Hary-Schaeffer. La Transfiguration du banal: une philosophie de l’art. Paris: Ed. du Seuil, 1989.

De Ferrière Le Vayer Marc. « Des métiers d’art à l’industrie du luxe en France ou la victoire du marketing sur la création », s. d.

De Ferrière le Vayer, Marc. « L’industrie du luxe et la mode : du temps des créateurs au temps des communicants (fin XIXe, fin XXe siècle) ». Apparence(s), no 1 (25 mai 2007). http://apparences.revues.org/61.

Goodman, Nelson, Morizot, Jacques. Langages de l’art une approche de la théorie des symboles. Paris: Hachette Littératures, 2005.

Lipovetsky, Gilles. L’Empire de l’éphémère: la mode et son destin dans les sociétés modernes. [Paris]: Gallimard, 1991.

Lipovetsky G., Serroy Jean. L’esthétisation du monde: vivre à l’âge du capitalisme artiste. Paris: Gallimard, 2013.

« Management de la création ». Mode de recherche n°10, Institut français de la mode, juin 2008.

Menger, Pierre-Michel. Le travail créateur: s’accomplir dans l’incertain. Hautes études. Paris: Seuil : Gallimard, 2009.

Moureau, Nathalie, et Dominique Sagot-Duvauroux. Le marché de l’art contemporain. Paris: la Découverte, 2010.

Remaury, Bruno. Marques et récits: la marque face à l’imaginaire culturel contemporain. Collection des éditions de l’Institut français de la mode. Paris: Regard : Institut français de la mode, 2004.


[1] De L’artification: Enquêtes Sur Le Passage À L’art, Cas de Figure 20 (Paris: Éditions de l’École des hautes études en sciences sociales, 2012).

[2] Pierre-Michel Menger, Le Travail Créateur: S’accomplir dans l’incertain, Hautes Études (Paris: Seuil : Gallimard, 2009).

[3] Hillaire Norbert (dir.) and Colloque “Arts, entreprises et technologies: quels mode les de développement pour l’Europe?,” L’artiste et L’entrepreneur, Chaire de Recherche En Création et Créativité (Saint-Etienne : Paris : Nice: Cité du design ; Advancia-Négocia ; Université de Nice-Sophia Antipolis, 2008).

[4] Stéphane Marchand, Les Guerres Du Luxe (Paris: Fayard, 2001).

[5] Luc Boltanski, Ève Chiapello, Le nouvel esprit du capitalisme ([Paris]: Gallimard, 2011).

[6] ROI : Return on Investment

[7] Conjonction de l’étalage et du marchandisage

[8] Pierre-Michel Menger, Portrait de l’artiste en travailleur: Métamorphoses du capitalisme, La république des idées (Paris: Seuil, 2002).


Vous aimerez aussi...

Laisser un commentaire

Votre adresse de messagerie ne sera pas publiée. Les champs obligatoires sont indiqués avec *